Descrizione Volti

100 Volti di Cristo

installazione
di 8,5 X 3 metri

composta
99 tavolette telate dipinte ad olio di dimensioni cm. 25x35
1 dipinto ad olio su cartoncino telato di dimensione cm. 70x100
1 dipinto ad olio su tela di dimensione 50x70

La Creazione

olio su pannello telato
cm. 70x100 - 2019

Apparizione

olio su tela
cm. 50x70 - 2019

Volto 1

ispirato ad Antonello da Messina

dipinto: Cristo alla colonna

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Antonèllo da Messina. - Pittore (Messina 1430 circa - ivi 1479). Influenzata all'inizio dalla pittura borgognona e fiamminga, di cui risentono le prime opere, l'arte di A. in seguito matura in una resa di forme grandiosamente semplici e dai colori luminosi e purissimi, una sintesi che lascerà una profonda impronta sulla pittura veneziana a venire e il cui esempio più grandioso è il S. Sebastiano (1476).

Le scarse notizie documentarie si riferiscono alla sua attività in
Sicilia e in Calabria, dal 1457 all'anno della morte, e a un viaggio a Venezia e a Milano (1475-76). Tra il 1450 e il 1460 circa si trova a Napoli dove subisce l'influsso di Colantonio, poi in Sicilia e Calabria. Nel 1463 è documentata la sua attività a Messina; nel 1475 è attestata la sua presenza a Venezia; nel 1476 risulta nuovamente a Messina; il 14 febbraio 1479 fa testamento e prima del 25 febbraio muore a Messina.

Dalle prime opere (Crocifissione di Sibiu; Abramo visitato dagli Angeli e S. Gerolamo di Reggio Calabria; S. Gerolamo della National Gallery di Londra) si può indurre che la formazione di A. sia avvenuta, fra il 1450 e il 1460, probabilmente a Napoli, su esemplari borgognoni e fiamminghi, in un ambiente di cultura complesso, ove l'arte di Colantonio rappresentava tipicamente il convergere di varie esperienze, cui potevano aver contribuito un probabile soggiorno napoletano di J. Fouquet, e i primi riflessi di Piero della Francesca. Nello sviluppo successivo di A., dal Cristo benedicente del 1465 (Londra), che è la sua prima opera datata, al trittico di s. Gregorio del museo di Messina (1473), alla Crocifissione di Anversa (1475), all'Annunciazione del museo di Siracusa (1475), alle forme che diventano grandiosamente semplici, e quasi astratte, in virtù di uno squadro prospettico derivato da Piero, si unisce un colore luminoso, purissimo in una sintesi che risulterà fondamentale per le sorti della pittura a Venezia, dove la pala dipinta da A. per S. Cassiano nel 1475 (ora frammentaria nel Kunsthistorisches Museum di Vienna) e la Pietà, ora nel Museo Correr, segneranno la svolta decisiva per l'evoluzione di Giovanni Bellini. Esempio massimo di questa unione: Il S. Sebastiano, del 1476 (museo di Dresda), in cui la figura umana è stilisticamente trasfigurata per via di un'estrema semplificazione, e pur conserva, in essa, una profonda individualità. Questa è espressa con la maggiore potenza in una serie di ritratti (nei musei di Cefalù, Milano, Parigi, Londra, Pavia, Berlino, ecc.), da scalarsi secondo i vari momenti dell'attività di A., nei quali la caratterizzazione quasi esasperata del soggetto trova un limite di stile in una geometrica regolarità di struttura.

ollezione Carrand al Bargello, una Madonna col Bambino; a Berlino, nel Kaiser-Friedrich Museum, la Cena in casa del Fariseo, che il figlio Aelbrecht riprodusse con varianti (Museo di Bruxelles); a Lovanio, in S. Pietro, la pala del Sacramento, i cui sportelli furono restituiti, nel 1919, dai musei di Berlino e di Monaco; e soprattutto a Bruxelles, nel Museo, la Giustizia dell'imperatore Ottone, due dei quattro grandi quadri aventi per soggetto la Giustizia, commessi al B. dal Magistrato di Lovanio per il Palazzo comunale, nel 1468. Un pannello, rappresentante l'esecuzione dei condannati innocenti, sarebbe stato terminato, secondo il Friedländer, dopo la morte del maestro da uno dei suoi allievi.

Volto 2

ispirato a Caravaggio

dipinto "Cattura di Cristo"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Michelangelo Merisi, detto il Caravaggio (nome tratto dal paese lombardo che gli ha dato i natali), nasce il 29 settembre del 1571.

La svolta nella carriera di Caravaggio è segnata dall'acquisto de "I bari" da parte del cardinal Francesco Maria del Monte: dopo questo avvenimento, si trasferisce in Palazzo Madama, residenza del cardinale, dove resta fino al 1600.

L'ammirazione del cardinale viene condivisa anche da un suo importante vicino di casa, il marchese Vincenzo Giustiniani, residente nel palazzo di famiglia sito a pochi passi da Palazzo Madama. Oltre al Giustiniani figurano tra i committenti di Caravaggio importanti famiglie quali i Barberini, i Borghese, i Costa, i Massimi ed i Mattei.

Ma gli episodi della vita dell'artista durante questi primi anni romani rimangono oscuri e inquietanti. Nel 1597 gli viene chiesto di dipingere alcune tele per la cappella Contarelli in San Luigi dei Francesi ("Vocazione di San Mattteo", "Martirio di San Matteo", "San Matteo e l'angelo") che lo rendono celebre e contestato. Di quest'ultima opera dovrà fornire una nuova versione, poiché era stata giudicata volgarmente irriverente. Da allora e fino al 1606, la storia di Caravaggio è costellata da vari avvenimenti truci e violenti che si sovrappongono. Da un lato realizza numerose opere di notevole importanza che sottolineano la sua fecondità e potenza creativa: tanto per fare un esempio, tra il 1600 e il 1601 dipinge la "Crocifissione di San Pietro" e la "Conversione di San Paolo"; nel 1604 la "Madonna dei pellegrini o di Loreto", nel 1605 la "Morte della Vergine", rifiutata dai religiosi di Santa Maria della Scala e acquistata invece dal duca di Mantova, su consiglio del giovane Rubens.

Negli stessi anni segnati da questa esplosione creativa, a partire dal 1603, si succedono senza interruzione denunce alla polizia, risse, processi: nel 1605 Caravaggio si rifugia a Genova, dopo aver ferito un cancelliere in tribunale. Nel maggio del 1606, un duello si conclude tragicamente con l'uccisione del suo avversario (ma lui rimane comunque ferito), omicidio che lo costringe a fuggire, prima a Palestrina e poi nell'Italia meridionale. Comincia allora una vita da fuggiasco, in cui si alternano successi e sventure. Nel 1607 si reca a Napoli dove esegue per chiese e conventi alcuni capolavori come la "Flagellazione di Cristo" e le "Sette opere di misericordia".

Ma le sue peregrinazioni non si fermano e anzi lo portano, siamo nel 1608, fino a Malta. Il ritratto del gran maestro Alof de Wignacourt gli vale altre ordinazioni, in particolare il grande "notturno" della "Decollazione di san Giovanni Battista", conservato appunto nel duomo di La Valletta.

Caravaggio è accolto nell'ordine dei Cavalieri, ma notizie provenienti da Roma, riguardanti i motivi del suo esilio, provocano un'inchiesta e quindi l'ennesima fuga del pittore.

In autunno si reca in Sicilia. dove, spostandosi da una città all'altra lascia numerosi esempi del suo genio: il "Seppellimento di Santa Lucia", eseguito a Siracusa per l'omonima chiesa; la "Resurrezione di Lazzaro" e l'"Adorazione dei pastori" oggi esposte al museo di Messina e una "Natività coi Santi Lorenzo e Francesco d'Assisi", conservata nell'oratorio di San Lorenzo a Palermo (da recenti studi pare che quest'ultima sia stata realizzata a Roma nel 1600)

Volto 3

ispirato a Giampietrino

dipinto: Cristo

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Giovan Pietro Rizzoli, talvolta Ricci o Rizzi, detto Giampietrino 1493-1540, è stato un pittore italiano, attivo tra il 1508 ed il 1549 a Milano, allievo di Leonardo Da Vinci ed esponente della scuola lombarda.

Gli studiosi sono concordi nell’attribuire a Giovanni Pietro Rizzoli il corpus di opere da tempo raccolte sotto il nome generico di Giampietrino grazie ad un profilo documentato, dal 1508 al 1549, in cui è attestato l’inizio della sua produzione nella preparazione di alcuni “cartoni di arazzi per il Duomo di Milano” oggi perduti; questo ha consentito di escludere definitivamente l’attribuzione delle opere di Giampietrino a Giovanni Belmonte oppure a Giovanni Pedrini a cui alternativamente erano state in precedenza attribuite.

Influenzato dalla pittura di Leonardo da Vinci ne riverbera delicatamente l’atmosfera sfumata unendo spunti riferibili al tratto mantegnesco di prima maniera. Emblematica è la prima opera certa del 1521: una Madonna con Bambino e i Santi Michele e Gerolamo dipinta per la chiesa di San Marino a Pavia a cui si aggiungono evidenti richiami alla pittura di Cesare da Sesto e al suo classicismo vissuto in ambito romano.

Di questo periodo sono l’Adorazione del Bambino con San Rocco e angeli musicanti, già nella chiesa di San Sepolcro a Milano oggi nella Pinacoteca Ambrosiana, mentre più vicina al ductus leonardesco, libero dalle influenze romane di Cesare da Sesto e semmai vicino a Marco d’Oggiono, è la pala di Ospedaletto Lodigiano del 1515.

Negli ultimi decenni l’orizzonte di Giovanni si accosterà sempre più alle emergenti istanze manieristiche rintracciabili, ad esempio, nella Madonna di Loreto coi Santi Giovanni Battista e Caterina di Ponte Capriasca, nella Natività (Museo Civico di Belle Arti di Lugano) e in soggetti mitologici dal tratto languido e sensuale.

Volto 4

ispirato a Callisto Piazza da Lodi

dipinto "Cristo benedicente"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Callisto Piazza (Lodi, 1500 – 1561) è stato un pittore italiano, il maggiore esponente dei Piazza, dinastia di pittori del Cinquecento, e fu pittore attivissimo nella prima metà del XVI secolo.

Calisto inizia la carriera artistica nella bottega del padre, il quale, vista la potenziale qualità del figlio ed essendo in contatto con l'insigne Romanino lo invia come suo discepolo a Brescia.

Lavora a Brescia dal 1523; l'8 dicembre di quell'anno è infatti segnato come testimone in un atto rogato nel convento di San Domenico. Le sue prime opere datate e firmate sono dell'anno successivo e hanno caratteri già pienamente bresciani. Ma il bagaglio culturale che dimostra in queste prime opere comprende anche la conoscenza dell'arte ferrarese di Dosso Dossi e Ludovico Mazzolino, e un interesse per il rigore compositivo di Giovanni Agostino da Lodi. La zona bresciana viveva in quel momento una straordinaria fioritura artistica e culturale grazie a personalità molto influenti che muovevano la vita della città, come Mattia Ugoni e Angela Merici. Un momento grande di successo stavano vivendo anche i due principali artisti bresciani, Romanino e Moretto. Il Piazza è al centro, quindi, di questa concentrazione stilistica e culturale che è Brescia in questi decenni e ne desume un linguaggio che ha delle vicinanze evidentissime con quello di Romanino, ma un romaninismo emandato e riletto attraverso il più ordinato e obiettivo Moretto.

Tra il 1526 e il 1529 opera, in Val Camonica, ad Erbanno, Borno, Breno, Esine e Cividate Camuno. Nel 1530 lascia la canonica di San Lorenzo a Brescia; al suo posto subentrerà Romanino. Tra i due pittori sembra esserci quindi un rapporto ravvicinato, magari una collaborazione professionale che però nessun documento certifica.

Nel 1529 Callisto ritorna definitivamente a Lodi dove, con i "consorti" Toccagni Cesare e Scipione, si inserisce nella bottega già esistente del padre e dello zio Albertino, quest'ultimo morto repentinamente in quel periodo. In questa bottega il Callisto assume la leadership artistica; Cesare ha invece una posizione di preminenza organizzativa e amministrativa mentre Scipione assume il ruolo di coadiutore di Callisto. In questo periodo la bottega riceve moltissime commissioni in tutta la Lombardia: a Milano opera nel Castello Sforzesco, nella Chiesa di San Maurizio, nell'aula Magna dell'attuale Università Cattolica e in altri paesi limitrofi ma quella più importante è la commissione per la decorazione della Chiesa dell'Incoronata di Lodi.

Le opere maggiori del periodo lodigiano sono situate nelle cappelle della Chiesa dell'Incoronata di Lodi dove, peraltro, i lavori, al di là di eccezionali interventi diretti, risultano di scarsa qualità artistica. Di notevole interesse sono invece le decorazioni delle lesene, paraste, fregi e cornici dove il Callisto con gusto e fantasia inserisce moduli figurativi: putti, strumenti musicali ecc. con esecuzione fluida e vivace.

Volto 5

ispirato al Beato Angelico

dipinto "Cristo coronato di spine"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Beato Angèlico, Giovanni da Fiesole detto il. - Pittore (Vicchio di Mugello circa 1400, non 1387 come tramandato dal Vasari - Roma 1455). A vent'anni entrò nel convento di S. Domenico di Fiesole. Tra il 1438 e il 1445 decorò con affreschi (completamente restaurati tra il 1975 e il 1983) chiostro e celle del convento (ora museo) di S. Marco a Firenze. Fra il 1445 e il 1448 affrescò nel Vaticano una cappella distrutta nel 1540 circa, e, forse, anche il ciclo di S. Lorenzo e di S. Stefano nella cappella di Niccolò V nello stesso palazzo, altrimenti datata nel secondo soggiorno romano dell'artista. Nell'estate del 1447 iniziò, con Benozzo Gozzoli e altri, la decorazione della volta della cappella di S. Brizio a Orvieto, di cui dipinse solo due spicchi. Dal 1448 al 1450 il B. fu priore di S. Domenico di Fiesole. Circa il 1452doveva dipingere gli armadî degli argenti per la Ss. Annunziata di Firenze, commessigli da Piero de' Medici nel 1448. Il secondo soggiorno romano fu forse assai breve, concluso dalla morte nel febbraio del 1455. L'Angelico si formò sotto gli influssi di Lorenzo Monaco e della scuola di miniatori fiorente nel convento di S. Maria degli Angeli; ma fu anche a contatto col gruppo degli innovatori quali il Ghiberti, il Brunelleschi e Donatello; a un iniziale influsso di Gentile da Fabriano e di Masolino seguì un deciso orientarsi verso Masaccio, pur ritenendo il B. A. le proprie qualità più intime e autonome, in un processo di formazione lento e profondo. Nei piccoli tabernacoli del museo di S. Marco e particolarmente nella Madonna della Stella, l'arte sua è già pienamente formata con quella dolcezza d'ispirazione e con quella cristallina purezza di concezione nella forma e nel colore che rimarranno sempre più tipiche in ogni altra opera successiva. Seguono nella cronologia delle opere principali: il Giudizio Universale, l'Incoronazione della Vergine, la Madonna dei linaioli (1433), la grande Deposizione dalla Croce (circa 1436) tutte nel museo di S. Marco, il polittico già a S. Domenico a Perugia e ora nella Galleria naz. dell'Umbria (1437 ca.). La stupenda serie degli affreschi del convento di S. Marco, caratterizzata da un'eccezionale semplicità, chiarezza delle forme e sapienza coloristica, culmina nella grande Crocefissionedella sala del Capitolo. Gli affreschi della cappella di Niccolò V in Vaticano sono improntati a una solenne grandiosità, a un ampio respiro compositivo, ma non raggiungono la purezza e l'intensità d'espressione proprie delle opere precedenti, forse anche perché dovuti in parte ad aiuti. Numerosi i collaboratori e i discepoli. La qualifica di beato attribuitagli dalla tradizione gli è stata ufficialmente riconosciuta da papa Giovanni Paolo II con motuproprio del 3 ott. 1982. Festa, nell'Ordine, 18 febbraio.

Volto 6

ispirato a Murillo

dipinto "Ecce Homo"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Murillo ›, Bartolomé Esteban. - Pittore (Siviglia 1618 - ivi 1682) - Spagna. Massimo artista del barocco religioso, nelle sue opere rivelò una ricchezza nella pennellata e una padronanza tecnica notevoli, tutti elementi volti alla costituzione di un linguaggio sentimentale che rese famose le sue madonne e i suoi ritratti, dall'acuta interpretazione psicologica.

Ancora fanciullo entrò nello studio di Juan de Castillo (1929), dove erano Alonso Cano e Pedro de Moya. Probabilmente non lasciò mai l'Andalusia, ma poté conoscere bene e studiare, nelle ricche collezioni della sua città natale, la pittura veneziana e fiamminga, che furono decisive nell'avviarlo al suo colorito morbido e chiaroscurato. Divenuto famoso, ebbe molte committenze, soprattutto dalle comunità religiose. Nel 1660 fondò a Siviglia un'Accademia di belle arti nella Casa Lonja. Verso il 1670 il re Carlo II chiese a M. di trasferirsi a Madrid, ma l'artista declinando l'invito rimase a Siviglia, dove nel 1672 eseguì diversi quadri per adornare la nuova cappella dell'Ospedale della carità, che ne conserva soltanto cinque. Nel 1680 il pittore, mentre lavorava nel convento dei cappuccini a Cadice, cadde dal ponte, e, tornato in grave stato a Siviglia, morì.

Volto 7

ispirato anonimo fiammingo

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Volto 8

ispirato anonimo

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Volto 9

ispirato ad Antonello da Messina

dipinto "Ecce Homo"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Antonèllo da Messina. - Pittore (Messina 1430 circa - ivi 1479). Influenzata all'inizio dalla pittura borgognona e fiamminga, di cui risentono le prime opere, l'arte di A. in seguito matura in una resa di forme grandiosamente semplici e dai colori luminosi e purissimi, una sintesi che lascerà una profonda impronta sulla pittura veneziana a venire e il cui esempio più grandioso è il S. Sebastiano (1476).

Le scarse notizie documentarie si riferiscono alla sua attività in
Sicilia e in Calabria, dal 1457 all'anno della morte, e a un viaggio a Venezia e a Milano (1475-76). Tra il 1450 e il 1460 circa si trova a Napoli dove subisce l'influsso di Colantonio, poi in Sicilia e Calabria. Nel 1463 è documentata la sua attività a Messina; nel 1475 è attestata la sua presenza a Venezia; nel 1476 risulta nuovamente a Messina; il 14 febbraio 1479 fa testamento e prima del 25 febbraio muore a Messina.

Dalle prime opere (Crocifissione di Sibiu; Abramo visitato dagli Angeli e S. Gerolamo di Reggio Calabria; S. Gerolamo della National Gallery di Londra) si può indurre che la formazione di A. sia avvenuta, fra il 1450 e il 1460, probabilmente a Napoli, su esemplari borgognoni e fiamminghi, in un ambiente di cultura complesso, ove l'arte di Colantonio rappresentava tipicamente il convergere di varie esperienze, cui potevano aver contribuito un probabile soggiorno napoletano di J. Fouquet, e i primi riflessi di Piero della Francesca. Nello sviluppo successivo di A., dal Cristo benedicente del 1465 (Londra), che è la sua prima opera datata, al trittico di s. Gregorio del museo di Messina (1473), alla Crocifissione di Anversa (1475), all'Annunciazione del museo di Siracusa (1475), alle forme che diventano grandiosamente semplici, e quasi astratte, in virtù di uno squadro prospettico derivato da Piero, si unisce un colore luminoso, purissimo in una sintesi che risulterà fondamentale per le sorti della pittura a Venezia, dove la pala dipinta da A. per S. Cassiano nel 1475 (ora frammentaria nel Kunsthistorisches Museum di Vienna) e la Pietà, ora nel Museo Correr, segneranno la svolta decisiva per l'evoluzione di Giovanni Bellini. Esempio massimo di questa unione: Il S. Sebastiano, del 1476 (museo di Dresda), in cui la figura umana è stilisticamente trasfigurata per via di un'estrema semplificazione, e pur conserva, in essa, una profonda individualità. Questa è espressa con la maggiore potenza in una serie di ritratti (nei musei di Cefalù, Milano, Parigi, Londra, Pavia, Berlino, ecc.), da scalarsi secondo i vari momenti dell'attività di A., nei quali la caratterizzazione quasi esasperata del soggetto trova un limite di stile in una geometrica regolarità di struttura.

Volto 10

ispirato ad Andrea Mantegna

dipinto "Ecce Homo"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Mantegna, Andrea - Pittore pittore (Isola di Carturo, 1430?/31- Mantova, 1506). L’appellativo affibbiatogli dai suoi contemporanei è Andrea l’Irreprensibile. La sua prima formazione artistica avviene sotto la guida di Francesco Squarcione dal quale attinge l’amore per l’arte antica.
Più tardi subisce l’influsso di Bellini e di Donatello, dai quali trae quella forma di deciso e patetico realismo che diventerà la caratteristica principale delle sue monumentali ed energiche figure. Dal primo, che diventerà suo cognato perché ne sposa sorella, apprenderà anche il forte senso della spazialità e la maniera di addolcire le forme dei suoi personaggi senza togliergli monumentalità.

Dai preziosi insegnamenti di Paolo Uccello eredita la forza del tratto e della prospettiva scientifica. Il contatto diretto con alcune opere di Piero della Francesca, durante il suo soggiorno a Ferrara, rafforza ancora di più le sue ricerche sulla prospettiva, e lo porterà a conquistare effetti di puro “illusionismo”, che caratterizzeranno la pittura di tutto il nord Italia.
Ma ciò che più di tutto concorre a forgiare la sua forte tempra artistica, è il gusto per l’antichità che egli sceglie di interpretare profondamente e non di imitare per diletto. Sempre a Ferrara, entra in contatto con il patetismo dei quadri di Rogier van der Weyden, che si evidenzia soprattutto nelle sue rappresentazioni devozionali.
Dai suoi numerosi capolavori realizzati nell’ultimo periodo ricordiamo: il famoso Trittico di S. Zeno a Verona, eseguito dal 1457 al 1459 e l’altro trittico agli Uffizi che riproduce l’ Adorazione dei Magi, la Circoncisione e l’ Ascensione. In queste grandi opere risulta evidente un deciso tratto del disegno, la conoscenza della prospettiva scientifica e dell’archeologia, nonché la forte preparazione e la dimestichezza per le forme architettoniche.
A Mantova oltre il Parnaso e Minerva che fuga i vizi (ora al Louvre) dipinse dal 1486 al 1491 il celebre Trionfo di Cesare che con la Scuola d’Atenedi Raffaello è la più singolare ricostruzione dell’antichità. Il Trionfo che ora si trova in Inghilterra nel Castello di Hampton Court, fu eseguito dal Mantegna anche in incisione, nella cui arte si dimostrò valentissimo.
Tra le altre sue opere eseguite nell’ultimo periodo ricordiamo il celebre Cristo morto di Brera che costituisce il più bello scorcio di figura del Quattrocento, la Madonna coi santi della National Gallery di Londra e la Vergine col Bambino ed angioli di Brera.

Volto 11

ispirato ad Andrea Solari

dipinto "Ecce Homo"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

SOLARIO (o Solari), Andrea. - Pittore milanese, nato circa il 1460, morto circa il 1520 o poco dopo. Forse dal fratello Cristoforo (v.) ebbe i primi rudimenti nell'arte; e insieme con lui sembra essersi trasferito a Venezia circa il 1490. Per Venezia lavorava ancora nel 1495, come dimostra il quadro di Brera, dipinto per S. Pietro Martire di Murano. Nel 1507 si recò in Normandia, chiamato dal cardinale d'Amboise, per decorarvi la cappella del suo castello di Gaillon, e vi si fermò sino al 1509. Tornato in patria, la sua attività è confermata per il 1515 dalla sua Fuga in Egitto (Milano, museo Poldi-Pezzoli); per dopo il 1518 dal ritratto del Cancelliere Morone (Milano, coll. duca Gallarati Scotti). L'ultima sua opera fu l'Assunta della Certosa di Pavia, rimasta incompiuta, e terminata da Bernardino Campi. Altri suoi dipinti: il ritratto di Cristoforo Longoni (1505), alla National Gallery di Londra; il supposto ritratto di Carlo d'Amboise, la Crocefissione (1503) e la Madonna del cuscino verde al Louvre; il Cristo portacroce col monaco a Brescia (Museo); la Donna col liuto nel Palazzo Venezia a Roma. Formatosi nell'ambiente milanese rinnovato da Leonardo, subì in seguito l'ascendente della pittura veneziana, e massime di Alvise Vivarini, del Giambellino e di Antonello. Ebbe poi contatti con la pittura fiamminga; e a sua volta esercitò qualche influsso sull'arte nordica. Il grande esempio di Leonardo fu però determinante per il suo sviluppo, sin dagli inizî. È una delle principali figure della pittura milanese del Rinascimento.

Volto 12

ispirato a Murillo

dipinto "Ecce Homo"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Murillo ›, Bartolomé Esteban. - Pittore (Siviglia 1618 - ivi 1682) - Spagna. Massimo artista del barocco religioso, nelle sue opere rivelò una ricchezza nella pennellata e una padronanza tecnica notevoli, tutti elementi volti alla costituzione di un linguaggio sentimentale che rese famose le sue madonne e i suoi ritratti, dall'acuta interpretazione psicologica.

Ancora fanciullo entrò nello studio di Juan de Castillo (1929), dove erano Alonso Cano e Pedro de Moya. Probabilmente non lasciò mai l'Andalusia, ma poté conoscere bene e studiare, nelle ricche collezioni della sua città natale, la pittura veneziana e fiamminga, che furono decisive nell'avviarlo al suo colorito morbido e chiaroscurato. Divenuto famoso, ebbe molte committenze, soprattutto dalle comunità religiose. Nel 1660 fondò a Siviglia un'Accademia di belle arti nella Casa Lonja. Verso il 1670 il re Carlo II chiese a M. di trasferirsi a Madrid, ma l'artista declinando l'invito rimase a Siviglia, dove nel 1672 eseguì diversi quadri per adornare la nuova cappella dell'Ospedale della carità, che ne conserva soltanto cinque. Nel 1680 il pittore, mentre lavorava nel convento dei cappuccini a Cadice, cadde dal ponte, e, tornato in grave stato a Siviglia, morì.

Volto 13

ispirato a Caravaggio

dipinto "Cena in Emmaus"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Michelangelo Merisi, detto il Caravaggio (nome tratto dal paese lombardo che gli ha dato i natali), nasce il 29 settembre del 1571.

La svolta nella carriera di Caravaggio è segnata dall'acquisto de "I bari" da parte del cardinal Francesco Maria del Monte: dopo questo avvenimento, si trasferisce in Palazzo Madama, residenza del cardinale, dove resta fino al 1600.

L'ammirazione del cardinale viene condivisa anche da un suo importante vicino di casa, il marchese Vincenzo Giustiniani, residente nel palazzo di famiglia sito a pochi passi da Palazzo Madama. Oltre al Giustiniani figurano tra i committenti di Caravaggio importanti famiglie quali i Barberini, i Borghese, i Costa, i Massimi ed i Mattei.

Ma gli episodi della vita dell'artista durante questi primi anni romani rimangono oscuri e inquietanti. Nel 1597 gli viene chiesto di dipingere alcune tele per la cappella Contarelli in San Luigi dei Francesi ("Vocazione di San Mattteo", "Martirio di San Matteo", "San Matteo e l'angelo") che lo rendono celebre e contestato. Di quest'ultima opera dovrà fornire una nuova versione, poiché era stata giudicata volgarmente irriverente. Da allora e fino al 1606, la storia di Caravaggio è costellata da vari avvenimenti truci e violenti che si sovrappongono. Da un lato realizza numerose opere di notevole importanza che sottolineano la sua fecondità e potenza creativa: tanto per fare un esempio, tra il 1600 e il 1601 dipinge la "Crocifissione di San Pietro" e la "Conversione di San Paolo"; nel 1604 la "Madonna dei pellegrini o di Loreto", nel 1605 la "Morte della Vergine", rifiutata dai religiosi di Santa Maria della Scala e acquistata invece dal duca di Mantova, su consiglio del giovane Rubens.

Negli stessi anni segnati da questa esplosione creativa, a partire dal 1603, si succedono senza interruzione denunce alla polizia, risse, processi: nel 1605 Caravaggio si rifugia a Genova, dopo aver ferito un cancelliere in tribunale. Nel maggio del 1606, un duello si conclude tragicamente con l'uccisione del suo avversario (ma lui rimane comunque ferito), omicidio che lo costringe a fuggire, prima a Palestrina e poi nell'Italia meridionale. Comincia allora una vita da fuggiasco, in cui si alternano successi e sventure. Nel 1607 si reca a Napoli dove esegue per chiese e conventi alcuni capolavori come la "Flagellazione di Cristo" e le "Sette opere di misericordia".

Ma le sue peregrinazioni non si fermano e anzi lo portano, siamo nel 1608, fino a Malta. Il ritratto del gran maestro Alof de Wignacourt gli vale altre ordinazioni, in particolare il grande "notturno" della "Decollazione di san Giovanni Battista", conservato appunto nel duomo di La Valletta.

Caravaggio è accolto nell'ordine dei Cavalieri, ma notizie provenienti da Roma, riguardanti i motivi del suo esilio, provocano un'inchiesta e quindi l'ennesima fuga del pittore.

In autunno si reca in Sicilia. dove, spostandosi da una città all'altra lascia numerosi esempi del suo genio: il "Seppellimento di Santa Lucia", eseguito a Siracusa per l'omonima chiesa; la "Resurrezione di Lazzaro" e l'"Adorazione dei pastori" oggi esposte al museo di Messina e una "Natività coi Santi Lorenzo e Francesco d'Assisi", conservata nell'oratorio di San Lorenzo a Palermo (da recenti studi pare che quest'ultima sia stata realizzata a Roma nel 1600).

Volto 14

ispirato ad Albrecht Bouts

dipinto "Cristo coronato di spine"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Albrecht (1452-1549) era un figlio di Dieric Bouts il vecchio nato ad Haarlem verso il 1410 e morto a Lovanio nel 1475. Dieric (o anche Dirk e Dierick) insieme ad Hans Memling è considerato il più importante seguace dello stile di Rogier van der Weyden pittore olandese a cavallo fra il XV e il XVI secolo.

Volto 15

ispirato a Jusepe de Ribera detto lo Spagnoletto

dipinto: Ecce Homo

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Jusepe de Ribera, conosciuto anche come José de Ribera, o col soprannome Spagnoletto (Xàtiva, 17 febbraio 1591 – Napoli, 2 settembre 1652), è stato un pittore spagnolo, attivo principalmente a Napoli e più in generale per la corte di Spagna.

Fu uno dei massimi protagonisti della pittura napoletana ed europea del XVII secolo nonché uno dei più rilevanti pittori seguaci del filone del caravaggismo napoletano, da cui generò una peculiare corrente pittorica, il tenebrismo, che si caratterizzava da una esasperata rappresentazione della realtà, violenta e brutale, accentuata da particolari epidermici, anatomici e psichici nei personaggi raffigurati.

Il suo stile, che nel tempo si evolve influenzato dal classicismo neoveneto, fu modello e punto di riferimento per i pittori partenopei coevi e di generazioni successive, segnando in maniera indelebile tutta la pittura napoletana del Seicento.

Volto 16

ispirato a Dieric Bouts

dipinto "Ultima cena"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

BOUTS, Dieric (Thcerry). - Pittore, nato probabilmente a Harlem - Olanda - verso il 1420, morto nel 1475. Dovette recarsi a Bruxelles per perfezionarsi nella bottega di Roger van der Weyden, di cui risentì fortemente l'influenza. Prova di quel suo soggiorno si ha nel Calvario (Museo di Berlino), nel cui sfondo appare una serie di monumenti di Bruxelles. I lavori che in Lovanio erano allogati a Roger attrassero anche il B. in quella città come collaboratori del Roger. Tornato a Harlem, dove rimase una diecina d'anni, il B. introdusse in Olanda un'arte pervasa dallo stile del van der Weyden, che egli rivelò agli artisti harlemesi del suo tempo, quando van Ouwater era ai suoi inizî. A Harlem durò una diecina d'anni; dal 1417 in poi i documenti lo ricordano a Lovanio.
Dei suoi figli, Dieric ed Aelbrecht furono anch'essi pittori.
L'influenza esercitata dal B. sui contemporanei fu vasta e profonda, né si limitò alla sola scuola di Harlem, e particolamente ad Albert van Ouwater, ma si estese anche su numerosi pittori fiamminghi: su Hugo van der Goes, e più ancora sul proprio secondogenito, Aelbrecht, che fu forse il maestro di Quentin Metsys.
Tra le altre numerose opere sono da ricordare particolarmente: a Lovanio, il trittico della chiesa di S. Pietro (la cui firma, con data 1448, fu posta in dubbio); a Valenza, il trittico del Collegio del Patriarca; a Firenze, nella collezione Carrand al Bargello, una Madonna col Bambino; a Berlino, nel Kaiser-Friedrich Museum, la Cena in casa del Fariseo, che il figlio Aelbrecht riprodusse con varianti (Museo di Bruxelles); a Lovanio, in S. Pietro, la pala del Sacramento, i cui sportelli furono restituiti, nel 1919, dai musei di Berlino e di Monaco; e soprattutto a Bruxelles, nel Museo, la Giustizia dell'imperatore Ottone, due dei quattro grandi quadri aventi per soggetto la Giustizia, commessi al B. dal Magistrato di Lovanio per il Palazzo comunale, nel 1468. Un pannello, rappresentante l'esecuzione dei condannati innocenti, sarebbe stato terminato, secondo il Friedländer, dopo la morte del maestro da uno dei suoi allievi.

Volto 17

ispirato a Durer Albrecht

dipinto "Cristo come l'umo del domani"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Albrecht Dürer, considerato il massimo esponente della pittura tedesca rinascimentale, nasce il 21 maggio 1471 a Norimberga dove vive la maggior parte della sua vita. Dotato di talento artistico fin da giovane entra nella bottega del padre, un noto e stimato orefice di Norimberga per proseguire la tradizione artigianale familiare. In quel periodo Dürer conosce le tecniche di incisione sui metalli, che più avanti metterà a frutto nei suoi celebri lavori a bulino e acquaforte. Il padre gli trasmette anche l'amore per i grandi maestri fiamminghi. Più tardi intraprende anche dei viaggi di studio in Italia (1494-1495 e 1505-1506) e in Olanda (1520-1521) dove studiò la pittura di questi paesi. Fu pittore di corte degli imperatori Massimiliano I e Carlo V. Muore il 6 aprile 1528 a Norimberga.
Oggi a Norimberga si può visitare la sua casa che si trova ai piedi del castello (vedi la foto sotto), diventata un museo di questo grande artista.
In Albrecht Dürer confluiscono influenze provenienti dalla pittura fiamminga e da quella italiana, che furono a loro volta influenzate dalla sua straordinaria produzione. Attraverso l'umanesimo trova la strada verso una pittura realista e supera così definitivamente la pittura gotica che in Germania predominava fino alla fine del '400. All'inizio divenne famoso soprattutto come incisore, infatti portò l'arte dell'incisione a livelli mai raggiunti prima e lasciò ca. 350 incisioni e xilografie. Queste tecniche permisero una diffusione molto ampia delle sue opere. Inoltre scrisse anche dei libri sulla teoria dell'arte e sulle proporzioni del corpo umano.
Nel corso della sua sterminata produzione artistica Dürer sviluppa soprattutto l'arte del ritratto e del autoritratto nei quali dimostra la capacità di un notevole approfondimento psicologico.
Nella pittura medievale il pittore era l'artigiano che doveva servire Dio come tutti gli altri, non aveva nessun ruolo emergente. L'opera d'arte non era espressione del genio, della bravura del pittore, era vista solo nella sua funzione di rendere più profonda la fede, di aumentare la devozione di dio. L'artista di solito non firmava la sua opera, e così spesso rimase sconosciuto fino ad oggi.
Il Rinascimento rompe radicalmente con questa tradizione. L'artista comincia a riconoscersi come intellettuale che crea opere uniche e irrepetibili. Aumenta l'interesse per l'uomo e per la sua psicologia. Dürer dipinge molti autoritratti che dimostrano non solo il suo orgoglio artistico, ma anche un ruolo dell'artista nella società completamente cambiato. Ora l'artista è degno della massima stima, il suo genio non è più soltanto servitore di dio, ma ha un valore autonomo. E gli oggetti dell'arte non sono più soltanto Dio, i Santi e le scene bibliche, è l'artista stesso che diventa oggetto di auto-osservazione e di riflessione introspettiva. Con Dürer l'autoritratto conquistò un ruolo di primo piano nell'arte europeo.

Volto 18

ispirato a Elisabetta Sirani

dipinto "Testa di Cristo"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Sirani, Elisabetta. - Pittrice (Bologna 1638 - ivi 1665), figlia di Giovanni Andrea (Bologna 1610 - ivi 1670), anch'egli pittore, divulgatore della pittura chiara e luminosa della maturità di G. Reni. Seguace anch'essa di Reni, ma con maggiore incisività di disegno e un più ricco cromatismo (Battesimo di Cristo, 1658, Bologna, Certosa), introdusse nelle ultime opere un forte interesse luministico su influsso di F. Torri e C. Cignani (S. Francesco, 1664, Modena, Galleria Estense; Madonna con Bambino, 1664, Pesaro, Museo Civico).

Volto 19

ispirato a Benozzo Gozzoli

dipinto: il Redentore

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Nato nel 1420 da una famiglia toscana, Benozzo di Lese, deve l’appellativo di Benozzo Gozzoli al famoso biografo e pittore aretino Giorgio Vasari, che ribattezza l’artista toscano nella sua seconda edizione delle Vite (1568). Nel 1427 il nonno e il padre di Benozzo si trasferirono con altri congiunti a Firenze, dove ebbe inizio la sua formazione professionale che, se prestiamo fede alla biografia a lui dedicata dal Vasari, può essersi svolta sotto la guida del domenicano fra Giovanni da Fiesole, l’Angelico, insieme al quale lavora nei primi anni quaranta, col quale collaborò come assistente sia agli affreschi di San Marco sia per decorare la cappella di San Pietro, oggi perduta, e la cappella di papa Niccolò V, nei Palazzi Vaticani.
Il sodalizio artistico con l’Angelico si conclude nel 1449, quando Benozzo Gozzoli porta a termine gli affreschi delle volte della Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto.
Dopo un anno di distanza il pittore si trasferisce in Umbria, dove i Francescani gli commissionano importanti opere come la decorazione del monastero di San Fortunato a Montefalco. Sempre nella stessa piccola comunità, gli commissionarnoo anche gli affreschi con storie di San Francesco per l’abside dell’omonima chiesa.
Il lavoro del pittore e della sua fiorente bottega si sposta a Viterbo, dove nel 1453 viene realizzato il perduto ciclo pittorico della Vita di Santa Rosa, nella chiesa delle Clarisse a Viterbo.
Lavorò con Lorenzo Ghiberti durante l’esecuzione delle porte del battistero di Firenze, dedicandosi in seguito alla pittura. Nel capoluogo toscano fece anche da maestro al ferrarese Lorenzo Costa il Vecchio, quando questi andò a vivere nella città dell’Arno e prima di trasferirsi a Bologna nel 1483.
Inoltre, l’eccezionale talento e la conoscenza della scultura e della prospettiva lo avrebbero raccomandato al maestro di San Marco, pur avendo una concezione secolare della vita.
La sua fama è racchiusa in una singola opera, una delle più amate del Rinascimento, Il viaggio dei Magi. Quest’opera è situata nella cappella di Palazzo Medici a Firenze. Infatti questo stupendo affresco celebra l’amore di Gozzoli per la decorazione e il dettaglio e rende anche omaggio alla famiglia Medici, includendola nella Processione dei Magi insieme a un piccolo autoritratto.

Volto 20

ispirato a Bernardino Luini

dipinto: Cristo

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Il pittore del rinascimento lombardo Bernardo Luini (conosciuto come Bernardino Luini) nasce a Runo, una frazione di Dumenza, presso il Lago Maggiore nel 1485.
Il suo vero nome è de Scapis, figlio di Giovanni Donato di Bernardo de Scapis detto "Monlone".
Luini è conosciuto soprattutto per i suoi affreschi mitologici e religiosi e per la grande influenza sulla sua arte di Leonardo Da Vinci.
Poco si sa della sua vita.
Nel 1500 si trasferisce a Milano con il padre. Probabilmente ha una prima formazione con Giovan Stefano Scotto, anche se altre fonti lo indicano come allievo di Ambrogio Bergognone.
Nel 1504-1507 è a Treviso. Tra le sue prime opere si può ammirare un affresco "Adorazione dei Magi" a San Pietro di Luino del 1505.
Dal 1509 al 1514 realizza alcune dei suoi lavori più noti, tra i quali gli affreschi di Villa Pelucca a Sesto San Giovanni (ora nella Pinacoteca di Brera a Milano), commissionati da Girolamo Rabia.

Volto 21

ispirato a Juan de Valdes Leal

dipinto "Ecce Homo"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Valdés Leal ‹... leàl›, Juan de. - Pittore (Siviglia 1622 - ivi 1690) Spagna. Si formò a Cordova probabilmente con A. del Castillo, risentendo anche di Herrera il Vecchio (S. Andrea, 1647, Cordova, S. Francisco; Vergine degli argentieri, 1654 circa, Cordova, Museo de bellas artes). Contemporaneo di B. E. Murillo, V. rappresenta a Siviglia un indirizzo pittorico volto a una vigorosa e appassionata, a volte esasperata e tragica espressività dei sentimenti, con valori dinamici emergenti dalla composizione e dal particolare uso del colore e della pennellata. Tra le sue opere più significative: Storie della vita di s. Girolamo e figure illustri dell'ordine gerolamino per il convento di Buenavista (1657, Siviglia, Museo de bellas artes), retablo del convento del Carmen di Cordova (1658), Jeroglíficos de las postrimerías, dipinti sul tema della morte, per l'Hospital de la caridad di Siviglia (1672), ciclo di dipinti sulla vita di s. Ignazio (1674-86, Siviglia, Museo de bellas artes). I modi pittorici di V. furono continuati dal figlio Juan (Siviglia 1661 - Cadice 1724) che lavorò prevalentemente ad affresco (Siviglia, chiese di S. Luis, S. Pablo, ecc.).

Volto 22

ispirato a Leonardo da Vinci

dipinto "Salvator Mundi"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Leonardo nacque a Vinci il 15 aprile del 1452.
Nel 1469 si trasferì con tutta la famiglia a Firenze, quì entrò a far parte della bottega del Verrocchio dove vi rimase per otto anni e dove apprese l'arte del disegno, l'uso della prospettiva e dell'anatomia.
Questo è ben attestato nel suo intervento nel Battesimo di Cristodel Verrocchio, dove realizzò l'angelo con estrema sapienza compositiva ed equilibrio ed inoltre in una delle sue prime realizzazioni: l'Annunciazionedi Monteoliveto oggi alla galleria degli Uffizi a Firenze, dipinta tra il 1475 e il 1478, nella quale abbiamo una straordinaria qualità cromatica, e uno studio attento verso i particolari soprattutto naturali.
Abilissimo nel disegno, questa sua dote è evidente in due opere iniziate nel 1482 circa e rimaste incompiute: San Girolamo e l'Adorazione dei Magi.
In quest'ultima, rimasta incompiuta per la sua partenza per Milano, interpreta in modo nuovo il soggetto: intorno alla figura della Vergine col Bambino si raccoglie una folla gesticolante che ci lascia intendere l'emozione per l'evento sacro.
Ancora del periodo fiorentino sono il Ritratto di Ginevra Benci il cui volto è delineato da delicati effetti chiaroscurali mentre sullo sfondo si staglia un paesaggio di acqua e piante.
Abbiamo ancora la Madonna del garofano e la Madonna Benois.
Leonardo arrivò a Milano nel 1482 e vi rimase per ben sedici anni al servizio di Ludovico il Moro e dove si occupò dei diversi campi delle scienza e delle arti, ma si dedicò prevalentemente all'attività di pittore, infatti, qui realizzò opere molto importanti tra le quali la Vergine delle rocce in cui ambienta i suoi personaggi in un'atmosfera quasi irreale, in un luogo ombroso e chiuso da grosse rocce in cui la luce filtra a malapena, l'atmosfera è resa in modo magistrale grazie anche alla sua particolare tecnica di chiaroscuro sfumato che è uno degli elementi caratteristici della sua arte.
Eseguì molte altre opere tra cui la Dama con l'ermellino di Cracovia, ilRitratto di dama del Louvre, ma il capolavoro dell'attività svolta a Milano è considerato l'Ultima Cena che realizza intorno al 1495-1497 nel refettorio del convento di Santa Maria delle Grazie. Il soggetto è trattato in maniera innovativa, rappresentando il momento in cui Cristo annuncia che verrà tradito. Nel trattato della pittura Leonardo scrive:" il bono pittore ha da dipingere due cose principali, cioè l'homo e il concetto della mente sua. Il primo è facile, il secondo difficile perché s'ha a figurare con gesti e movimenti delle membra". Nel Cenacolo Leonardo realizzò in pieno questa sua idea, rappresentando il Cristo come fulcro della composizione, intorno a cui si distribuiscono gli Apostoli in atteggiamenti diversi che lasciano trasparire il loro pensiero e le loro emozioni.
Nel 1499 Ludovico il Moro fuggì da Milano, dopo l'invasione del ducato da parte dei francesi, e Leonardo intraprese una serie di viaggi, si recò a Mantova, a Venezia, e poi ritornò a Firenze. Qui gli venne commissionato un'affresco per il salone di Palazzo Vecchio che rappresenta la Battaglia di Anghiari, in gara con Michelangelo che doveva affrescare nella parete opposta la Battaglia di Cascina. Il dipinto purtroppo però è andato perduto.
In questi anni iniziò anche il famoso ritratto della Gioconda, un dipinto a lui caro che portò con se anche in Francia dove rimane tutt'oggi, al museo del Louvre. E' il ritratto di una gentildonna fiorentina, identificata con Monna Lisa di Giocondo, rappresentata a mezza figura e di tre quarti sullo sfondo di un paesaggio roccioso con due laghi posti su un diverso livello. L'atmosfera suggestiva e il sentimento di malinconia che suscita sia il paesaggio che la figura è accentuato dall'uso dello sfumato leonardesco.
Nel 1506 si recò nuovamente a Milano, negli ultimi anni della sua vita l'artista alternò il suo soggiorno in questa città con brevi viaggi a Firenze. Le sue ultime opere sono Sant'Anna con Madonna e Bambino, di cui aveva già preparato un cartone nel 1501e il San Giovanni Battista. Nella Sant'anna con Madonna e Bambino rappresenta i personaggi in una composizione piramidale il cui vertice è rappresentato dal volto di Sant'Anna, lo sfondo è ancora una volta rappresentato da un paesaggio rupestre in lontananza.
Nel 1516 accettò l'invito del re di Francia e si recò ad Amboise dove trascorre gli ultimi anni della sua vita e dove morì nel 1519.

Volto 23

ispirato a Jaquin Martinez de la Vega

dipinto "Ecce Homo"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Joaquín Martínez de la Vega Cisneros (Almería, 23 giugno 1846 - Malaga, 4 dicembre 1905) era un pittore spagnolo, appartenente al gruppo di pittori della scuola di pittura di Malaga. Nato ad Almeria nonostante abbia sviluppato la maggior parte della sua vita a Malaga, dall'età di 20 anni.

Volto 24

ispirato a Juan de Juanes

dipinto: Ecce Homo

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Vicente Juan Macip, meglio conosciuto come Joan de Joanes (Valenza, 1523 – Bocairente, 21 dicembre 1589), è stato un pittore spagnolo.

Nacque a Fuent de la Higuera, città che per prima tributò il successo del suo nome che poi si diffuse in tutta la Spagna.
Per le numerose affinità artistiche con la scuola di Sebastiano del Piombo, alcuni studiosi ritengono che Macip si applicò in Italia sotto il maestro, mentre è storicamente accertato lo scambio culturale con i pittori italiani che si recavano a Valencia.
Poco tempo dopo, il cardinale Rodrigo Borgia commissionò a Francesco Pagano e Paolo da San Leocadio la decorazione della Cattedrale di Valencia.

A Valencia trascorse la maggior parte dei suoi anni e consegnò le sue opere più importanti. Lo stile è caratterizzato dalla cura del particolare, dal sapiente uso del colore, dalla raffinata ideazione concettuale dell'opera. Fu influenzato dalla pittura italiana lombarda e da quella manieristica fiorentina-romana.
Figlio d'arte, dell'omonimo Vicente Juan Macip, anch'egli pittore, fu il principale esponente del Rinascimento spagnolo e il pittore più celebre della città.

Come in altri casi simili, per distinguere padre e figlio, si utilizzava il patronimico Joan de Joanes. Tuttavia, realizzò le prime opere insieme al padre, e permangono problemi di attribuzione per i dipinti anteriori al 1550, anno della morte di Juan Vincent Macip. Sebbene il suo cognome tradisca un'origine legata al lavoro manuale, Macip sostenne la propria origine nobiliare.

Volto 25

ispirato a Girolamo da Treviso - Girolamo Penacchi

dipinto: Cristo morto sostenuto da due angeli

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Pittore trevisano, nato circa il 1450, morto forse nel 1496. La sua appartenenza alla famiglia di Pier Maria Pennacchi, del quale sarebbe il fratello maggiore, non è ancora sicura. Gli affreschi e la pala d'altare della cappella Spineda in S. Niccolò di Treviso, ricordati dal Federici come primo lavoro del P. (1470), sono andati perduti. Nel S. Girolamo, firmato e datato (1415), di casa Piccinelli a Seriate presso Bergamo e nella Pietà di Brera egli si rivela seguace ritardatario della maniera squarcionesca. Una fusione di elementi mantegneschi e antonelliani caratterizza la Morte della Vergine, firmata e datata 1478, fino a pochi anni fa presso gli eredi Pieriboni a Lonigo (Vicenza). Lo spirito del grande pittore messinese predomina nella chiara e solida composizione della pala detta del Fiore nel duomo di Treviso (1487), con la Vergine in trono fiancheggiata dai santi Rocco e Sebastiano, mentre derivano da modelli belliniani le Madonne già nella collezione Weber ad Amburgo e nella raccolta Dessau e la Pietà (firmata) della galleria Tadini a Lovere. Del 1492 è l'affresco frammentario con S. Sebastiano in S. Agostino a Treviso. Il vigore antonelliano comincia a infiacchirsi nella pala dell'Accademia di Venezia, firmata e datata 1493, proveniente dal castello di Collalto nel Friuli e rappresentante la Madonna in trono con quattro santi: decadimento che si accentua nell'altra pala del duomo di Treviso, con la Madonna e quattro santi, proveniente da S. Vigilio a Montebelluna. L'attribuzione al P. della lunetta con la Trasfigurazione nell'Accademia di Venezia è controversa.

Volto 26

ispirato ad Andrea Previtali

dipinto "Salvator Mundi"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Andrea Previtali, detto il Cordeliaghi (Berbenno, 1480 circa – Bergamo, 1528), è stato un pittore italiano.

Le sue innate doti artistiche lo condussero in giovane età a Venezia, uno dei principali centri artistici del tempo. Dall'attività commerciale, la famiglia veniva riconosciuta con il soprannome Cordelle e agi, cosa che sicuramente non dispiacque al Previtali che firmò alcune opere come Andrea Cordellaghi.

Il Previtali firmò alcune sue opere eseguite a Venezia come Andrea Bergomensis, mentre quando fece ritorno nella città orobica firmò i suoi lavori Andreas Privitalus.

Qui si formò ed affinò la sua abilità grazie a Giovanni Bellini, che lo ospitò nella propria bottega, risulta presente nel 1502 dove viene indicato come Ioanis Bellini dissipulus sul dipinto Madonna con il Bambino e donatore che si trova nel Museo Civico di Padova. I dipinti giovanili, tra cui ritratti ed incantevoli paesaggi, risentono delle influenze di pittori quali il Carpaccio, Giorgione e Palma il Vecchio, che l'artista incontrò durante il suo soggiorno presso la Serenissima. Dal 1510 l'artista non firmò più le sue opere come allievo di bottega del Bellini, questo lo considererebbe emancipato.

Attorno al 1511 il Previtali tornò a Bergamo, probabilmente chiamato dalla famiglia Casotti de Mazzoleni che voleva accattivarsi il nuovo governo filo-veneto presente in città. Furono quattro i primi lavori che gli vennero commissionati, nel 1512 dipinge quella che è la sua prima opera importante: il San Sigismondo nella chiesa di Santa Maria del Conventino, trittico di cui rimane solo una parte; affreschi per Paolo Casotti nel Palazzo Zogna, ne rimangono visibili ora alcune lunette raffiguranti arti e mestieri; la San Giovanni Battista ed altri Santi, sempre su commissione della famiglia Casotti per la chiesa di santo Spirito e la Pala di Sant'Orsola conservata presso l'Accademia Carrara, commissionata da Jacopi Filippo Foresti per la chiesa di sant'Agostino.

Nel 1512 a Bergamo arrivò Lorenzo Lotto e il Previtali si lasciò influenzare dalle sue opere, collaborando con lui tanto che quando il Lotto tornerà a Venezia, sarà lui il tramite nella realizzazione e controllo delle tarsie del coro di Santa Maria Maggiore ad opera di Giovan Francesco Capoferri.

Nel 1524 realizzò la pala di san Benedetto per la cattedrale di sant'Alessandro, che è considerata la sua opera più importante. Fu maestro del pittore Agostino Facheris da Caversegno. Di questo alunnato resta il polittico, dipinto a due mani, commissionato dai Gozzi per la loro cappella in Santo Spirito. Le sue numerose opere riguardavano principalmente la sfera della devozione, con ritratti molto realisti e luminosi, frutto di raffinatezza e perizia.

Volto 27

ispirato a Raffaello Sanzio

dipinto "Cristo redentore"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Raffaello è uno dei grandi e celebri artisti del Rinascimento.

Pittore ed architetto, è cresciuto alla bottega dell'importante ed influente Perugino del quale inizialmente copiava perfettamente lo stile. Molto attivo a Firenze e a Roma ha lasciato capolavori di valore inestimabile conservati nei più importanti musei italiani e internazionali.

Ciò che rende unico Raffaello è il suo stile caratterizzato da un'armonia quasi perfetta tra spazio e figure e un particolare e luminoso cromatismo. Inoltre è stato un artista molto produttivo che ha realizzato moltissime opere d'arte.

Raffaello Sanzio nasce ad Urbino la notte del Venerdì Santo del 1483 e si forma nella bottega del padre, pittore alla corte ducale. Dopo la morte del padre si reca a Perugia presso la bottega del Perugino, artista molto affermato ed influente dell'epoca.

Nel 1504 si trasferisce a Firenze, dove sono attivi Leonardo e Michelangelo e vi rimane fino al 1508quando viene chiamato a Roma da Papa Giulio II. A Roma intraprende anche la carriera di architetto, realizzando alcuni palazzi e lavorando alla Basilica di San Pietro.

Muore a Roma nel 1520 nel giorno del Venerdì Santo a soli 37 anni.

Raffaello fu un artista molto influente ed anche molto produttivo. Moltissime sono le sue opere riconosciute internazionalmente come capolavori della storia dell'arte. Molte delle sue opere sono conservate nei più grandi musei internazionali, tra cui il Louvre di Parigi, il Metropolitan Museum di New York, oltre che i Musei Vaticani e la Galleria degli Uffizi.

Raffaello lavorò a Firenze tra il 1504 e il 1508 e qui produsse le sue più belle Madonne e alcuni famosissimi ritratti, conservati ancora oggi nei musei fiorentini.

Alla Galleria Palatina di Palazzo Pitti si possono ammirare gli splendidi e famosi ritratti di Agnolo Doni e Maddalena Doni e il Ritratto di Tommaso Inghirami. Vi sono esposte anche la Madonna del Granduca, dal vestito rosso e dal manto azzurro, e la famosissima Madonna della Seggiolacaratterizzate da una soave e inconsueta tenerezza.

Alla Galleria degli Uffizi sono invece conservati la splendida Madonna col Cardellino, il Ritratto di Leone X e i Ritratti dei duchi di Urbino, Elisabetta Gonzaga e Guidobaldo da Montefeltro.

Tra le altre opere di Raffaello troviamo Lo Sposalizio della Vergine alla Pinacoteca di Brera di Milano, la Fornarina che si dice sia il ritratto della sua musa-amante (Roma), l'affresco raffiguranteLa Scuola di Atene e La Trasfigurazione tra le sue ultime opere, entrambe ai Musei Vaticani.

Volto 28

ispirato a Guido Reni

dipinto: Cristo salvatore

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Guido Reni, pittore italiano, fra i maggiori del Seicento, nasce a Bologna il 14 Novembre del 1575.
Suo padre, affermato maestro di cappella a S. Petronio, il Duomo di Bologna, avrebbe voluto che il figlio seguisse le sue orme, ma questi, ancora giovanissimo, espresse una naturale predisposizione al disegno.
Accolto come apprendista nello studio del pittore fiammingo manierista Calvaert, Reni, attorno ai vent’anni aderì all’Accademia degli Incamminati, che i Carracci avevano aperto dal 1582.
Dopo un periodo di lunghe esercitazioni riproducendo tra l’altro opere di Annibale Carracci, Guido Reni si distacca dall'influsso manierista e dal gruppo di artisti che ruotavano intorno ai Carracci.
Nel 1602, il giovane pittore, che già lavora a commesse proprie, si reca a Roma per studiare nuove tecniche pittoriche, la lezione caravaggesca e completare la propria preparazione artistica.
Guido Reni, che nei suoi primi lavori si rifaceva ai canoni accademici, fra il 1604 ed il 1605 a Roma, dipinge per la Chiesa di San Paolo alle Tre Fontane, la Crocefissione di san Pietro, dove evidenzia un suo linguaggio personale, una sua ricerca estetica.
Il pittore nel tentativo, comune al Caravaggio, di superare la finzione e l'artificiosità Barocca , aderendo alla realtà e rendendola più credibile, controlla e disciplina la composizione attraverso rapporti e regole di derivazione classicista.
Guido Reni diventa l'interpreta del gusto colto e aristocratico dei committenti romani, protetto da Paolo V e da Scipione Borghese, divide la sua attività tra Roma e Bologna, dove si ferma definitivamente verso 1l 1620.
Durante gli anni trascorsi a Roma, nonostante il successo riscosso con le opere eseguite per la grande nobiltà e per il papa, il maestro non sopportava la fretta con la quale si doveva eseguire qualunque cosa e la mancanza di riguardo per la mente dell’artista che dirigeva la creazione e che veniva considerato poco più di un operaio prezzolato.
Per trattenerlo nella capitale gli venne offerto il titolo di Cavaliere che Guido Reni rifiutò.
Tra i prestigiosi lavori del Reni a Roma, si ricordano gli affreschi delle Sala delle Nozze Aldobrandine e della Sala delle Dame in Vaticano; le decorazioni nel Palazzo del Quirinale alla Cappella dell'Annunciata e alla Cappella Paolina in Santa Maria Maggiore; l'Aurora affresco nel casino del Palazzo Rospigliosi Pallavicini, opera che risente dello studio della scultura antica oltre che della conoscenza di Raffaello e del Correggio.
Tornato a Bologna, il pittore gode dall’entusiasmo suscitato dalla Strage degli Innocenti e dal Sansone vittorioso dipinti tra il 1611 e il 1612 e continua a lavorare a ritmo intenso per una clientela europea di altissimo rango, per la quale esegue dipinti, non solo religiosi, ma affronta anche tematiche mitologiche e letterarie, utilizzando un linguaggio teso in modo costante a teorizzare il bello nell'accezione di morale.
Mentre è a Bologna il pittore dipinge per il duca di Mantova la favola profana delle Fatiche di Ercole ora al Museo del Louvre a Parigi, Cristo al Calvario e Lucrezia.
L'originale capolavoro della Pala della peste, dipinta su seta, come ex-voto per la fine della peste del 1630-31 dà inizio all’ultimo decennio di attività del Reni, del quale si ricordano Fanciulla con ghirlanda, opera significativa per conoscere il suo atteggiamento sperimentale nell'uso del colore, l'Adorazione dei pastori, 1640-42, ora alla National Gallery di Londra e Cleopatra, 1640-42, Pinacoteca Capitolina di Roma.
Guido Reni muore, dopo due giorni di agonia, il 18 agosto 1642, all’età di sessantasette anni ed il suo corpo è esposto al popolo per due giorni nella chiesa di San Domenico.

Volto 29

ispirato a Il Perugino

dipinto: - Il Salvatore

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Pietro Vannucci detto il Perugino, massimo esponente della pittura umbra del XV secolo, sembra sia nato fra il 1448 ed il 1450 a Città della Pieve, sotto il dominio di Perugia.
Nulla si sa per certo dei primi passi del Perugino nel mondo dell'arte, ma potrebbe essere stato un allievo di Fiorenzo di Lorenzo (c. 1440-1525), pittore minore di Perugia e del più celebre Piero della Francesca (c. 1420-1492) ad Arezzo.
Pittore di grande fama al tempo suo, ma anche molto criticato da artisti a lui successivi, Perugino inizia presto la sua attività, diventando discepolo di Piero della Francesca.
A Firenze nel 1472, si iscrive alla Compagnia di San Luca e lavora nella bottega di Andrea del Verrocchio, dove anche Leonardo da Vinci era apprendista e diventa suo compagno di studi.
Nessuna opera di certa attribuzione risulta anteriore al 1478, anno nel quale il pittore affresca la chiesa parrocchiale di Cerqueto, nei pressi di Perugia, con un murale dipinto su intonaco con pigmenti disciolti in acqua, di cui oggi non resta che qualche frammento, rappresentante San Sebastiano.
Perugino con questa opera deve aver raggiunto una notevole fama in questo periodo, dal momento che il papa Sisto IV lo invita a Roma per lavorare in Vaticano.
L'artista si trova a lavorare a fianco di artisti del calibro di Botticelli, Ghirlandaio, Cosimo Rosselli, affresca la finta pala d'altare della Cappella Sistina, alcuni riquadri con "Storie" di Mosé e di Cristo, e la celebre "Consegna delle chiavi a San Pietro".
Di queste "Storie" resta solo la Consegna delle Chiavi a San Pietro, capolavoro che influenzerà fortemente Raffaello, mentre le altre verranno distrutte da Michelangelo nel 1535-1536, per far posto al suo "Giudizio Universale"
Questo momento artistico segna, per il Perugino l'inizio d'una brillante carriera, tornato a Firenze, gli viene commissionato un lavoro nel Palazzo della Signoria e nel 1491 opera con il comitato per la finitura del Duomo di Firenze.
Tra i migliori dei suoi lavori eseguiti in questo periodo sono la "Madonna che appare a San Bernardo" (1493), la Madonna e Santi , il Compianto su Cristo Morto" (1495), e l'affresco della Crocifissione (1495-96) nel convento fiorentino di Santa Maria Maddalena dei Pazzi, la grande pala di Vallombrosa (Firenze, Galleria degli Uffizi, 1500) ed il polittico dell'Annunziata (Firenze, Galleria dell'Accademia, 1505-07).
Queste opere sono caratterizzate da ampie figure dalla grazia scultorea, poste all'interno di architetture rinascimentali che fanno da cornice alle immagini.
Durante questo periodo Perugino dipinge il suo ritratto più conosciuto, quello di Francesco delle Opere dove il pittore utilizza la tecnica dei pittori fiamminghi del XV secolo, ed in modo particolare al fiammingo Hans Memling.
A Perugia, dove aveva già dipinto la pala dei Decemviri (1495), i polittici di San Pietro (1496), intorno al 1500, Perugino dipinge un ciclo di affreschi nella Sala dell'Udienza del Collegio del Cambio nel quale inserisce un autoritratto e lo Sposalizio della Vergine (1503-04) per la cappella di Sant'Anello in Duomo.
Perugino viaggia molto, si sposta di città in città, forse spinto da quella che il Vasari non esita a definire avidità, ma questo non gli impedisce di ottenere fama di "maestro singolare, et maxime in muro" e di essere considerato "il meglio mastro d'Italia", almeno dai suoi contemporanei.
Il Cinquecento segna un lento declino per l'artista, molta della committenza alla fine si stanca dei suoi schemi compositivi, anche per il nascente interesse nei confronti d'una nuova generazione di artisti quali Fra' Bartolomeo e Andrea del Sarto.
Nel 1508 Perugino tornò temporaneamente a Roma per ridipingere il tondo sul soffitto di una Stanza in Vaticano, rovinata da un incendio.
Per gli affreschi delle pareti della stessa sala venne incaricato il suo allievo Raffaello, che, dopo aver lasciato lo studio del Perugino, si era dimostrato artista più grande del maestro.
Una delle ultime commissioni di Perugino fu il completamento nel 1521 di alcuni affreschi in S. Severo a Perugia, che erano stati iniziati da Raffaello.
Era impegnato all'affresco della Natività, nella chiesa di Fontignano (affresco ora alla National Gallery di Londra), quando nel febbraio o marzo del 1523 venne colto dalla peste.

Volto 30

ispirato a Murillo

dipinto "Ecce Homo"

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Murillo ›, Bartolomé Esteban. - Pittore (Siviglia 1618 - ivi 1682) - Spagna. Massimo artista del barocco religioso, nelle sue opere rivelò una ricchezza nella pennellata e una padronanza tecnica notevoli, tutti elementi volti alla costituzione di un linguaggio sentimentale che rese famose le sue madonne e i suoi ritratti, dall'acuta interpretazione psicologica.

Ancora fanciullo entrò nello studio di Juan de Castillo (1929), dove erano Alonso Cano e Pedro de Moya. Probabilmente non lasciò mai l'Andalusia, ma poté conoscere bene e studiare, nelle ricche collezioni della sua città natale, la pittura veneziana e fiamminga, che furono decisive nell'avviarlo al suo colorito morbido e chiaroscurato. Divenuto famoso, ebbe molte committenze, soprattutto dalle comunità religiose. Nel 1660 fondò a Siviglia un'Accademia di belle arti nella Casa Lonja. Verso il 1670 il re Carlo II chiese a M. di trasferirsi a Madrid, ma l'artista declinando l'invito rimase a Siviglia, dove nel 1672 eseguì diversi quadri per adornare la nuova cappella dell'Ospedale della carità, che ne conserva soltanto cinque. Nel 1680 il pittore, mentre lavorava nel convento dei cappuccini a Cadice, cadde dal ponte, e, tornato in grave stato a Siviglia, morì.

Volto 31

ispirato a Joos van Cleve

dipinto: Salvator Mundi

olio su cartoncino telato - cm. 25x35 - 2016/2023

Il pittore olandese Joos van Cleve, scritto anche Cleef, nasce a Cleves intorno al 1490.
Originario della regione del basso Reno, il pittore è attivo soprattutto ad Anversa, dove diventa membro della corporazione dei pittori nel 1511 e nel 1520 è nominato decano della gilda.
Ottiene un certo numero di commissioni da Colonia, dove la sua arte influenza la scuola locale di pittura.
I trittici della "Morte della Vergine", dipinti per la famiglia Hackeney di Colonia, valgono a Joos Van Cleve il nome provvisorio di "Maestro della Morte della Vergine".
Ad Aversa Van Cleve è uno dei principali pittori della città, ma il suo stile eclettico e la mancanza di opere documentate testimoniano una carriera non sempre fiorente.
Nei suoi dipinti c'è a volte l'influenza di Leonardo nel tocco, a testimonianza che potrebbe aver visitato l'Italia.
Quasi certamente lavora in Francia nel 1530 come ritrattista a Francesco I e forse visita l'Inghilterra negli stessi anni, come testimonia un ritratto di Enrico VIII del 1536.
Infatti oltre a dipinti di carattere religioso, l'artista si dedica anche alla ritrattistica della famiglia reale.
Secondo van Mander il pittore fiammingo ha collaborato con Joachim Patinir (o Patenier Joachim), tanto che il quadro Riposo durante la Fuga in Egitto è forse un lavoro comune.
Realizza anche opere di grandi dimensioni, in particolare quadri religiosi, come le immagini della Vergine con il Bambino e la Sacra Famiglia.
Il figlio Cornelis (1520-1567) seguirà le orme del padre, diventando anch'egli pittore, ma nel 1556 diventerà pazzo e sarà chiamato con il soprannome di "pazzo Cleve".
Joos Van Cleve muore ad Anversa nel 1540.

Volto 32